SCI Библиотека

В настоящей статье рассматриваются основные принципы классификации музыкального инструментария античных теоретиков. Дается характеристика античных систематик, особенностей, принципов и их роль в становлении западноевропейской теоретической мысли о классификации музыкальных инструментов. Автор приходит к выводу, что античные классификационные теории оказали значительное влияние на западноевропейскую органологию - как в отношении концепций систематизации музыкального инструментария, так и в применяемой терминологии. Исследование античной теории музыки позволяет выявить истоки идей западноевропейских систематик и современных классификаций музыкальных инструментов.

В настоящей статье рассматривается становление и развитие аутентичного (исторически информированного) направления интерпретации сонат и партит для скрипки соло И. С. Баха в скрипичном концертном исполнительстве XX-ХХI вв. В результате анализа теоретических положений музыкантов-аутентистов и исполнительской деятельности западноевропейских и российских скрипачей были выявлены следующие характерные черты аутентичной трактовки баховских скрипичных соло: применение барочного смычкового инструментария, импровизационность, особое внимание к орнаментике, ограничение использования вибрации, преобладание открытых струн, раздельный штрих «баховское» деташе ( détaché ), декламационность и речевое интонирование. Автор приходит к выводу о важной роли движения аутентизма в скрипичном исполнительстве XX-ХХI вв., поскольку с ним связано появление исторически обоснованного подхода к исполнению баховских сонат и партит для скрипки соло, а также сохранение и публикация уртекста, что позволило ввести в концертную и учебную практику уникальный рукописный текст И. С. Баха.

В статье представлен новый синтетический метод анализа музыкальных произведений с помощью специальных нотных примеров, позволяющих представить всю пьесу в сжатом виде. Существуют различные методы гармонического анализа, позволяющие выявить те или иные законы, по которым строится произведение. Каждый из них позволяет описать произведение на каком-то особом языке, рассказать о нём в символах и в графиках, а иногда и посредством нот - в аналитических нотных примерах. Представить произведение в ином виде - сокращённом, ставшим результатом аналитических процедур - означает построить модель произведения. Объектом исследования являются три произведения: пьеса “Зима II” из “Альбома для юношества” Р. Шумана; “Развалины замка при свете луны” (из второй тетради “Образов”) К. Дебюсси; романс “Выхожу один я на дорогу”. Н. Я. Мясковского. Методы анализа, используемые в данном исследовании, таковы: 1) редукция по системе Г. Шенкера; 2) функционально-гармонический анализ; 3) выявление основных ладовых и мелодических полихордов с оценкой весомости их тонов. Редуцируя музыкальную ткань, не обязательно во всём придерживаться методики Шенкера. В таком случае редукция приводит не к первоструктуре, а к схеме звуковысотных линий, что делает акцент на горизонтальном аспекте музыкальной ткани. Линеарный анализ делает зримыми скрытые линии, прослеживаемые за видимым и слышимым мелодическим рисунком. Метод анализа, основанный на выявлении главного и побочного мелодических устоев (мелодических функций), слабо разработан в современной теории музыки, хотя его начальные посылки были указаны в работах Б. Яворского, Л. Кулаковского и Ю. Холопова. В настоящей статье все названные методы комбинируются с целью отображения произведения в едином аналитическом нотном примере, который и становится его моделью. Погружая эту модель в словесно-понятийную среду, мы получаем возможность выразить интрамузыкальный “сюжет” каждой пьесы в 1-3 предложениях.

Предметом исследования является развитие отечественного фортепианного музыкального образования на протяжении конца XVIII - середины XIX веков. Определяются принципы обучения профессиональных музыкантов в Европе и специфика пути России в этом вопросе. Авторами статьи рассматривается начальный этап домашнего образования в аристократической среде, цели и задачи приглашенных европейских музыкантов. Анализируется своеобразие появления в России композиторской школы из среды пианистов-любителей, роль европейских музыкантов в этом явлении. В статье рассматривается направление музыкальных занятий в общеобразовательных учреждениях и их роль в воспитании прослойки музыкальной интеллигенции. Авторским вкладом в постановку и решение проблемы в новом ракурсе является неидеологизированный подход к рассмотрению уровня пианистов-меломанов из числа аристократов и «просвещенных дилетантов», сравнение комплекса навыков, разительно отличающих пианистов-дилетантов от пианистов-профессионалов. Выявляется, что основной целью домашнего образования в аристократической среде было воспитание у учеников художественного вкуса и овладения навыками игры на фортепиано, достаточными для исполнения по нотам нетрудных в техническом отношении пьес и ансамблей. Устанавливается, что расширение круга учащихся за счет дворянской прослойки не изменило целей и задач иностранных преподавателей. Авторами статьи определяется, что ни домашнее обучение, ни общеобразовательные учреждения не воспитывают профессиональных пианистов. Выявляется, что педагогические классы также преследуют достаточно узкие цели подготовки домашних учителей для подготовки пианистов-дилетантов. Определяется необходимость появления в России специального музыкального учебного заведения, готовящего кадры профессиональных пианистов и появление отечественной фортепианной школы. Выводом исследования является выявление основных критериев специального музыкального учебного заведения, способствующих воспитанию профессионального музыканта: временно́е ограничение изучения репертуара; показ качественной работы на открытых прослушиваниях в присутствии комиссии; дисциплина и самодисциплина как основа профессионального образования.

Актуальность предлагаемого исследования заключается в нераскрытой до настоящего времени в отечественном и зарубежном музыкознании процессе формирования, становления, развития и спецификации концертмейстерских школ разных стран. В предлагаемой статье автор обращается к начальному этапу кристаллизации немецко-австрийского концертмейстерского искусства. Объект исследования - концертмейстерская школа Германии и Австрии. Предмет исследования - практические формы бытования клавирного сопровождения ad libitum и General-Baß. Задачи исследования: раскрыть специфику клавирного сопровождения ad libitum и General-Baß в связи со становлением немецко-австрийского концертмейстерского искусства; проанализировать доступные в открытых источниках манускрипты мастеров-клавиристов, специально изучавших этот вид исполнительства; ввести в отечественный музыковедческий оборот новые сведения из немецкоязычных трактатов, табулатур и архивных источников о творческой и педагогической деятельности клавиристов-ансамблистов XV-XVII вв. Основными методами исследования стали: антропологический, историко-архивный, сравнительно-аналитический, комплекс методов исполнительского анализа в их взаимодействии согласно поставленным задачам исследования. Впервые в отечественном музыкознании вводятся в научный оборот ряд имен немецких и австрийских музыкантов, внесших существенный вклад в развитие концертмейстерского искусства на начальном этапе его становления. Автором найден и проанализирован ряд трактатов и табулатур, раскрывающих специфику клавирного сопровождения ad libitum и General-Baß. В процессе изложения материала доказывается, что сопровождение ad libitum, в основе которого лежит импровизационный характер, для своего успешного воплощения предъявляло клавиристу ряд дополнительных «условий»: такой музыкант должен был уметь искусно выстраивать полифоническую фактуру в процессе совместного музицирования, владеть средствами динамики и агогики в зависимости от того, с какими голосами и/или инструментами он музицирует; уметь транспонировать и бегло читать с листа. Определена специфика сопровождения General-Baß, его отличия от basso continuo и basso numerato. Выводы исследования позволяют лучше понять суть, содержание и национальные особенности немецко-австрийской концертмейстерской школы, фундамент которой был заложен в XV-XVII вв.

Данное исследование основано на детальном анализе оперы «Марш армии и народа», созданной выдающимся китайским композитором Сянь Синьхаем (1900-1945), которая является важным примером синтеза китайской и западной музыкальных традиций. Опера «Марш армии и народа» была написана в 1938 году и стала первой попыткой композитора интегрировать элементы китайского национального искусства в западную оперную форму. Исследуются особенности музыкального языка, структурные элементы оперы и её стилистическое содержание, которое связано с культурными и политическими реалиями Китая того времени. Изучены использование китайских народных инструментов, ладовые особенности и принципы мелодического развития. Определены особенности использования западноевропейской полифонической техники. Рассматривается влияние этой оперы на развитие китайского национального оперного искусства. В исследовании использован комплексный подход, состоящий из историко-культурного анализа и музыковедческого анализа, включающего исследование структурных и композиционных элементов, произведения: взаимодействие тембров китайских и западных музыкальных инструментов в партитуре произведения, особенности мелодии и принципов ее развития, китайских мелодических и ладовых структур и их адаптации в рамках полифонической фактуры. Научная новизна данного исследования заключается в анализе оперы «Марш армии и народа», как новаторского произведения китайского искусства. Авторы приходят к выводу, что Сянь Синхай создал оперу, инновативно сочетающую западные музыкальные структуры и техники с элементами китайской народной музыки, открывая путь для создания нового типа национальной оперы в Китае в XX веке. Результаты исследования демонстрируют кросс-культурный процесс в китайском музыкальном искусстве. Элементы восточной и западной музыкальных традиций гармонично объединяются в рамках произведения в жанре западноевропейской оперы, демонстрируя новый взгляд на трансформацию китайского искусства в XX веке. Исследование предоставляет новые материалы для интерпретации и изучения китайской музыкальной культуры в российской и международной академической среде.

Статья посвящена музыкальным произведениям на тему времен года, созданным в конце XX - начале XXI века на основе уже существующих общеизвестных шедевров на данную вечную тему. Цель исследования заключается в анализе сочинений прошлых лет в сопоставлении с новыми, обновленными опусами на тему сезонов. Предметом исследования являются музыкальные и стилевые особенности взаимодействия первоисточника и нового сочинения. Объектом исследования являются сочинения на тему времен года современных композиторов, написанных на основе шедевров прошлых эпох: А. Раскатова «Времена года. Дайджест» (2001 г.), М. Броннера «Времена года. Венок Чайковскому», М. Рихтера «The seasons. Recomposed», транскрипция цикла танго А. Пьяццоллы «Времена года в Буэнос-Айресе», созданная Л. Десятниковым (1999 г.), балет «Времена года» (2013 г.) В. Мартынова, в котором прослеживается прием стилизации и цитирования. В исследовании были применены сравнительно-аналитический метод, в результате которого автором были проанализированы новые сочинения “Времена года” на основе музыкальных первоисточников прошлых лет, а также использовались исторический и теоретический методы. Основным выводами проведенного исследования являются: обращение к музыкальным шедеврам прошлых эпох в условиях постмодернизма - явление не редкое. Композиторы воссоздают старинные жанры, формы, практики музицирования. Сам по себе музыкальный шедевр хранит непреходящие ценности, заложенные в его идею, содержание, воплощение. Он становится неким эталоном для создания новых, актуальных для своего времени произведений. В этом контексте, вечная тема времен года гармонично вписалась в новую культурную парадигму конца XX - начала XXI века. Бессмертные шедевры А. Вивальди, П. Чайковского, А. Пьяццоллы получили новую жизнь в условиях современного композиторского и исполнительского искусства. Научная новизна исследования состоит в том, что некоторые из названных сочинений впервые анализируются в контексте диалога разных столетий.

В статье рассматривается деятельность выдающихся музыкантов-педагогов конца XIX - ХХ в. К. Н. Игумнова и его ученика и последователя Я. И. Мильштейна. Взгляды на суть исполнительского искусства, педагогические и исполнительские концепции и убеждения этих музыкантов освещаются в контексте отечественных традиций музыкального образования и функционирования механизма преемственности, последовательно связывающего разные этапы их развития. Выявляются различные подходы к совершенствованию пианистического мастерства молодых музыкантов, подчеркивается значимость обучения культуре звукоизвлечения, «горизонтального мышления», слышания, выразительного интонирования музыкального материала. Важным условием развития музыканта является воспитание его самостоятельности, творческой активности, инициативы в поиске собственной интерпретации изучаемого произведения. Утверждается, что осмысление и систематизация опыта прошлого, следование традициям и их обновление помогает выстраивать траекторию современной педагогики музыкального образования.

В данной публикации проводится сравнительный анализ специфических особенностей китайской и российской популярной музыки. Цель данной статьи - проследив эволюцию становления и развития популярной музыки в Китае и России, определить особенности ее структуры, формы и внутреннего содержания в каждой из стран. В статье использовались исторический, аналитический, музыковедческий и сравнительный методы исследования. Результаты исследования показали, что, несмотря на некоторые общие черты китайской и российской популярной музыки, у каждой из них был разный путь развития, что привело к специфическим особенностям популярной песенной культуры в обеих странах. Автор статьи приходит к выводу, что популярная музыка должна идти в ногу со временем и отражать перемены, происходящие в обществе, в связи с чем необходима трансформация популярной музыки.

Настоящая статья посвящена рассмотрению истории развития современной музыкальной Культуры Китая. Автором приводится краткая характеристика музыкальной культуры Китая, а также факторы, которые способствовали ее популяризации. В рамках настоящего исследования процесс развития современной музыки Китая разделен на несколько этапов: до основания Китайской Народной Республики, после основания Китайской Народной Республики, музыка «Культурной революции», а также музыкальная культура периода «открытости». Автором выделяются особенности музыкальных жанров, присущих каждому этапу, а так приводятся примеры популярных композиций. В результате установлено, что что каждый этап развития современной музыки Китая является следствием предыдущего, так как постепенно обобщался зарубежный опыт, что позволяло раскрыть новые черты народной культуры. Именно данный фактор определил современный облик китайской музыки.